就算同样都是画水墨画的，性格也是因人而宜.像画工笔的人心思比较细腻点,而写意的人性格比较洒脱一点。有一种人，看起来仙气十足，那可能就是画水墨，画国画的啦。三、从绘画的内容上又有人物画、风景画、静物画、动物画这四种分类。如何鉴别一幅好的油画艺术作品，是自油画诞生以来人们一直讨论的问题。
自学能学好美术吗？
我是一枚美术老师 这问题太大了 因为美术“好”是没有界限的 我认为以目前中国美术主流标准的话自学是很难的 具体学习中的问题上面两位也回答我就不重复了 我主要说一下我自己的想法：靠美术吃饭主要是两种途径一是走纯艺成名家卖画为生（也就是一般人眼中的艺术家、画家）二是从事美术相关工作（美术老师、设计师、画漫画、墙绘、美工、行画、定制画等等） 自学的话第二条路基本无望 现在中国学美术的太多了（举个简单例子：每年每个省的美术考生至少一万 ）每年99%大学美术毕业生主要就业方向也是第二条 也就是说业余的去和专业的抢饭吃?结果就不用我说了吧 自学的话第一条路也通 也有成功的例子 但这成功的几率比中彩票大不了多少 所以我想说的是自学的话当个爱好就好 想走这条路的话。
怎么定义绘画抄袭？
抄袭这种定义看怎么来判呢！艺术抄袭的界定不明确，作品是否存在抄袭的很难认定。如果学习过程中临摹是一种学习的途径但也并非是高明的手段。有些东西是客观的来看待问题，当年张大千学习敦煌使用了不择手段抄袭临摹了大量作品另外为了生计还卖假画以假乱真的其他艺术家作品，这在艺术上有些道德问题不可取。这不能说他有多么高的艺术水准和艺术价值。
艺术的价值在于原创，有些作品或者其他门类的艺术有可能会激发出艺术家的创作灵感形成了另外一种新的艺术形式这不叫抄袭了是艺术的升发和创新了。例如，毕加索说，他的艺术灵感多半来源于大师委拉斯凯兹的《宫娥》 。有些画家的作品抄袭大师的画在市场形成大量流通这就成了行画了一文不值了也就没有多大的艺术价值了。原创作品是有思想有灵魂的艺术品，反映的是艺术家本人特有的个性和，是充满激情、生活色彩和丰富的人生感悟的艺术表现形式。
抄袭内涵和艺术气质是无法体现的。一般情况下抄袭的艺术是会被默认为艺术的，这是整个艺术家的趋势。不照抄照搬，融入别人的元素，组成新的艺术作品，不能叫抄袭，融合大师的优秀技法或作品的精华之处，可叫艺术。借鉴大师的作品，并且在原作品中融合了作者自己的想法，作者会与原作者有一些不同的艺术灵感，在原作品的基础上进行再创造，而展现出另一种审美方式。
如何判断一个人是不是学画画的？
我也是个老美术人了，必须得来凑个热闹要说想判断学画画的人，就要掌握他们的特点。那先看看绘画有什么特点吧，毕竟绘画不仅种类和形式丰富多彩，而且各个国家和民族之间都存在差别，在艺术形式、表现手段、艺术风格等方面可是非常多样的～画画大体分为东方绘画和西方绘画两大体系，首先一、从画风上来说：就同样是风景油画，就有这样的：（列维坦的风景油画）这种就是古典主义写实的，还有这样的：（赵无极的抽象风景油画）这种就是抽象主义的。
还有印象派：新古典主义：立体主义：达达主义：还有浪漫主义、现实主义、后印象派、现代派、极简主义、未来派等等。二、从画种来分除了油画颜料创作的油画，用水墨颜料创作的就要青绿山水画、水墨山水画、白描画、工笔画、写意画、指画、界画、内画等。（水墨山水画）还有版画、水粉画、壁画、漫画、素描以及电脑等数码产品创作的数字插画、原画、设计等。
三、从绘画的内容上又有人物画、风景画、静物画、动物画这四种分类。画画的种类非常多，所以论画风、表现内容不同以及选择不同媒介的创作者必然也是迥然不同、千奇百怪不能一概而论的。美术生！！！这个群体就是如此狡猾，要想在人群中判断出来就要从多个方面去找一些蛛丝马迹。以下我来提几个判断标准：一、外形穿搭众所周知，我们美术生在画画前的衣服和画完画的衣服不是同一件衣服。
你要是往美院门口进，这个样子的很可能门卫大爷会把你拦住，这白净的脸蛋、柔顺的头发、衣服上均匀的色彩，完全有怀疑你伪装之嫌，说不定还得叫你拿出学生证看看。毕竟我们眼中的对方都是这个样子的：这种看起来邋里邋遢、浑身蹭着颜料又或者泥巴的不是油画专业的就是雕塑专业的。毕竟这种纯艺术专业搞起创作来有时没日没夜的，用起材料来又随性，难免浑身都带上一些“艺术元素”～除了穿搭，还可以通过看手认人，以前还在学校的时候，我：“阿姨给我打个辣子鸡。
”食堂阿姨：“娃儿刚下美术课吧？”我：“你怎么知道？！”食堂阿姨：“洗洗手再吃饭噻。”而有的人身上一尘不染，既没有颜料，又没有铅笔灰，但是却常常顶着黑眼圈，每次见到他们都想心疼他们的日渐头秃，这种就有可能是设计专业的，因为常常要对着电脑作图，为了满足甲方爸爸需求，熬夜更是常事了。还有一种人，看起来仙气十足，那可能就是画水墨，画国画的啦。
一人、一壶茶、一宣纸、一水墨足以，举手投足之间都带有一丝古典韵味。二、行为习惯说完外表，再来说说内心层面，毕竟我们的行为习惯都是从内心出发的不是嘛？比如，有一次坐飞机，听到隔壁两个人在聊天：“普罗旺斯、爱琴海、波斯菊、匈牙利丁香、还有马尔代夫............”我心想，这现在的现在的富二代真是会玩，去过那么多地方，后来转头一看，害！原来人家指着ipad上的画在讨论用什么颜色呢！能说出这么多种高级灰颜色的，是学画画的无疑了！还有，之前有一次和朋友出去吃饭，在场一位女生脸上粘了一粒米粒，另一位朋友提醒了她，结果她满脸乱摸没摸到。
突然那个朋友下意识说：“就在你左边咬肌哪里”。轻松搞定，果然大家都是学画画的，相视一笑～还有一种人，他们特别抠。这种人平时也许比较仗义，但是面对一个问题的时候绝不退让："借我十块钱，”“拿去~”“白颜料借我用一下”“不行！”从嗜大白如命这点来判断，足以断定此人是个美术生了。更有一种人，喜欢讲不着边际的灵异故事，他会告诉你：地板是活的，他会吃橡皮；水桶是活的，他会吃手机；美工刀也是活的，居然能够吃掉铅笔！！不要怕！！因为他说的也许是真的！在学画画的人的世界里，众所周知画室是活的～有了以上这些小方法，可以说已经抓住了大部分学画画的人的特点了，你是不是觉得可以百分百的在人群中判断出谁是美术生了？慢！要知道，万事无定论！比如邋里邋遢的，浑身蹭着颜料的有可能真的是装修工人，满脸黑灰的、手上黑糊糊的有可能就是挖煤的。
而经常熬夜，黑眼圈出众的有可能是夜夜笙歌爱蹦迪的857选手啊！喜欢淡雅情趣的，也许就是一个普通的传统文化爱好者。就算同样都是画水墨画的，性格也是因人而宜.像画工笔的人心思比较细腻点,而写意的人性格比较洒脱一点。而在这个行画泛滥的年代里,画画常常为了商业的需要,那人的性格和习惯外貌等等就无法从他的画风里判断了，很难找出共性来。
怎么样鉴别一幅好的油画艺术作品？
油画产生于15世纪的欧洲，欣逢文艺复兴时期，得到空前发展，成就了达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、贝里尼、乔尔乔内、提香、鲁本斯等一批天才的油画艺术大师，创作了数量众多的经典传世油画。油画也随之形成规范的绘画理论体系，进入西方的美术教学课程。经过600年的发展，油画业已成为世界上影响最大受众最多的绘画画种。
如何鉴别一幅好的油画艺术作品，是自油画诞生以来人们一直讨论的问题。在这个问题上，艺术家有艺术家的认知，大众有大众的眼光，历来也没有一个统一的规定，可以说是仁者见仁，智者见智。在大众眼里，一幅好的油画应该是画面干净明快，人物或景象清晰可辨，色彩艳丽饱满，至少有让人观后眼睛一亮的感觉。而在艺术家和艺术爱好者眼里，上面这几条都是最基本的要求，而更重要的是画中流露出的思想情感、神韵、风骨和气质，也就是一幅好的油画作品应该画出思想，画出灵魂，画出精气神，画出能打动人心甚至震撼人心的境界。
达芬奇的《蒙娜丽莎》是世界最著名的一幅油画了。如果单从油画的靓度和女主人的容貌来看，很多人觉得并没有什么特别，甚至说这幅画并不美的人也不少，但是为什么这幅画能被公认为世界名画并成为巴黎卢孚宫的镇馆之宝呢？是因为达芬奇在这幅画中把《蒙娜丽莎》特有的神韵气质淋漓尽致地表现了出来，集中体现在《蒙娜丽莎》那神秘的微笑上。
数百年来，无数的人们以种种不同的认知解读着《蒙娜丽莎》神秘的微笑，这就是一幅好油画所产生的巨大的艺术魅力。巴洛克绘画艺术重要代表鲁本斯笔下许多女性形象都是人高马大、膀阔腰圆、臀厚腿粗，简直称得上“彪悍”了。和人们传统的审美习惯大相违和，比如他的《三美神》、《抢夺波留希斯的女儿》等。但为什么大家都认为鲁本斯的画很有魅力呢？因为鲁本斯笔下的女性虽不尽美丽，但他把生活的真实和艺术的真实很好地结合在一起，把女人除了温柔美丽还有其他给画了出来，更鲜活，更真切，更大气，更动感，更有气势，因此也更能打动人。
法国十九世纪学院派首席代表，新古典主义创始人之一安格尔是公认为擅长描绘女性人物形象的油画大师。他的代表作《泉》和达芬奇的《蒙娜丽莎》一起成为卢孚宫的镇馆之宝，并被世界许多国家列为美术教学人体艺术的范本。大家知道，《泉》是一幅人体油画，为什么享有如此之高的盛誉呢？是因为安格尔把这样一幅表现正面全身难度极大的人体油画画到了极致。
对于如何欣赏艺术作品，你怎么看？
我以艺术创作者的眼光看，欣赏艺术作品可用两种方式：1.猛然一看艺术，花样多，形式美，个人投入到一堆艺术作品里，眼花缭乱，不知云深处，很多时候，还没有欣赏，我们已是审美疲劳，想多看，都没有了心情和意愿，这是因为当代艺术作品很雷同！手法相同、构图相近、色彩单一，看一张便知百张。欣赏艺术作品，我觉得猛然一看有新意，一张作品的新颖特别之处，就是打动人的地方。
艺术创作提倡的是独具匠心的思想，创造出独具魅力的作品，如果有特别新意的艺术作品，自然会留住欣赏者的脚步，吸引观赏者的目光。2.仔细一看如果被一张艺术作品吸引住，证明该作品的魅力，这时候，就需要静下心境，认真欣赏。欣赏艺术作品，是为获得审美情趣，体验审美认知。何为情趣？可以有娱乐，可以有教化，还可以有纯粹的情感体验；何为认知？从画面的构图、色彩、气息以及用笔的技巧方式，认知创作者的内心世界。
500的抽象画和5万的抽象画到底有什么区别？
你的问题其实是不是想问:市场价格高的抽象画艺术价值是否也同样的高呢？答案并非绝对肯定，但五百万一定有五百万的道理，区别并不是仅仅是画作艺术水平的高低。首先说抽象艺术作品的艺术水准高低，是很难来衡量的。大部分人会认为，抽象艺术作品不费脑子，刷墙一样把颜料刷，倒，泼上去就成为作品，可以在短时间内完成，到底有什么价值可言？其实抽象作品本身这种不具有可解读性，或者说不需要去解读性正是其魅力所在。
那种大面积色块，线条，表现的就是一种纯粹性，强调视觉性和形式感，让人体会到的是极简和纯美，具有一种气势，能够给人以最直接的震撼，体悟到哲学和佛学禅修的意境。在现代纷繁芜杂的社会环境中，这种玄之又玄的抽象画作为装饰艺术越来越收受到追捧是由其需求决定的。艺术品的价位制定，除了艺术品本身的学术价值，还需要艺术家社会价值，这种社会附加值往往超过其本身的艺术价值，学术价值，社会价值和市场价格一起构成一个大桶，决定了里面能盛多少钱!艺术品其实也是一种商品，大多是要卖给“土豪”的，他们期待的是如何经营赚钱，很多时候市场是现实的，所以，在影响艺术品市场价格的诸多因素中，许多起主导作用的因素并不来自艺术本身，艺术家无法仅仅通过创作来生存，他必须依附于一个体制，依附于社会，依附于市场。
为什么感觉人的五感只有听和看有关的形成了艺术？
在约定俗成的划分中，人有五感，包括视觉、听觉、嗅觉、味觉、触觉，实际上，人还有第六感，被生理学家称作“直觉”或“心觉”，第六感很奇妙，类似于人的意念或精神感应，虽然很难被解释清楚究竟是什么，但它确实存在。举一个例子，当关系特别亲密的人，如父母亲，出现意外受伤或疾病，你即使远在千里，同样会产生心神不宁、心烦意乱的感觉，能预感到发生了什么。
所有艺术形式中，以视觉和听觉来感知的艺术最多，绝大部分艺术形式需要这两种知觉来感知，只因为绝大多数艺术形式有具体的图像和造型，是可视性的，我们生活的大千世界，本身就是由不同形状、色彩、体积、面积等元素构成，要理解这些，必须首先通过视觉是审视。但是，每一种艺术形式都不是单纯的依靠一种知觉来感知，它是多种感知来综合欣赏。
比如绘画，是典型的视觉艺术，有造型，有构图，有色彩，如果是抽象绘画，依靠正常的视觉经验，虽然能看到造型、构图和色彩，但很难看懂画中要表达什么，看和不看没有多大区别。因此，面对抽象绘画，必须调动其它知觉，这时，知觉就能派上用场了。另外，盲人文字，盲人绘画，这些艺术形态跟视觉关系并不大，完全依赖触觉和直觉去写字画画，完全是表达自己心中的图像。
文学可以看，也可以听，同时，还必须依赖直觉和经验去领会隐藏在文字背后的含义，否则，就会理解的是似而非，可以说，文学也不是依靠单纯的知觉去欣赏的艺术。音乐以听觉为主，同样需要边听边思考。一些行为艺术同样具备综合艺术的特质，只用观看的方式，很难看懂。电影、戏剧、舞蹈等艺术，就更是综合艺术形式了，必须同时运用视觉、听觉、直觉来感受它们的魅力。
之所以很难出现嗅觉、味觉、触觉形成的艺术，根本原因是，艺术形态必须具备固定的造型和画面，面对具体的造型和画面，这三种知觉的作用并不明显，它们很难脱离视觉和听觉而单独存在。实际上，世上真有依靠触觉完成的艺术，我曾经见过盲人面塑，盲人能依靠十指和手掌捏出活灵活现的小动物，只不过，他是眼睛意外失明后，依靠之前的记忆，再加上不断摸索，磨练成娴熟的手法，才完成了艺术创作。
